Simplesmente Cinema

Simplesmente Cinema Recomenda

2008-07-05T21:42:00.000-07:00

Donnie Darko
(2001)
de Richard Kelly

No horizonte surge o Sol, brilhando sobre as árvores frondosas pinceladas com gotas de orvalho. Prostrado no alcatrão de uma estrada embutida na montanha, jaz um corpo inanimado junto a uma bicicleta derrubada. Acidente? Morte? Qual a ocorrência? De repente, o corpo manifesta movimento e é revelada a silhueta de um adolescente erguendo-se lentamente. Ele contempla o horizonte, monta na sua bicicleta e pedala pela estrada abaixo. Este é apenas mais um amanhecer, na vida bizarra de Donnie Darko.

Donnie Darko (2001) é um filme ambíguo e complexo. O argumento parece demasiado confuso , pois preocupa-se mais em colocar questões fascinantes do que fornecer respostas claras . Isto faz da obra de estréia de Richard Kelly uma raridade em Hollywood, já que os guionistas americanos prezam muito pelos enredos claros, coerentes e bem ordenados. Porém, tudo em Donnie Darko tem uma explicação. Na verdade, este filme sobre viagens no tempo é uma espécie de quebra-cabeças gigante. As soluções estão lá todas escondidas como ovos de Páscoa, mas é preciso saber procurar nos sítios certos.

A referência à Breve História do Tempo, de Stephen Hawking, é uma pista importante.

Hawking admite mesmo que haja pontes ou atalhos, chamados buracos de verme, para chegar às regiões mais distantes do espaço-tempo. Ao regressarmos ao passado através de uma dessas pontes, estaríamos a criar um universo alternativo e faríamos com que o tempo fluísse em dois cursos paralelos.

Como conseguiu Donnie Darko voltar ao passado? O livro A Filosofia das Viagens no Tempo dá-nos a resposta: tudo decorre num Universo Tangente em que o nosso protagonista foi escolhido como Receptor para devolver um Artefato ao Universo Primário. Ora, o Receptor Vivo é muitas vezes abençoado com poderes sobrenaturais, que incluem força acrescida, telepatia e a habilidade de manipular o fogo e a água. Isto explica que Donnie tenha conseguido inundar a escola, incendiar a casa e enfiar o machado na estátua de bronze.

As ações de Donnie Darko são guiadas por Frank, o misterioso Coelhinho Gigante. Todo o esforço do realizador Richard Kelly parece indiciar que o Coelho é uma personagem maléfica: a voz distorcida, os atos de destruição (o incêndio e a inundação) que ele desencadeia. Porém, Frank não tem nada de maligno. Ele é, na verdade, um mensageiro regressado do futuro e a sua intenção são auxiliar Donnie a resgatar a Humanidade da destruição pelo Universo Tangente.

Frank não está só, pois todos os outros habitantes da cidade também auxiliam o protagonista. Eles são os chamados Manipulados Vivos e fornecem continuamente pistas para a solução do mistério: a professora de inglês refere a expressão Cellar Door, que conduzirá o protagonista à casa da Avó Morte; a partida da mãe permite a realização da fatídica festa de bruxas;. No final, todos eles sobreviverão e estarão reunidos na magnífica seqüência ao som da canção Mad World.

Resta saber quem é o grande responsável pela manipulação de todas estas personagens. Uma possibilidade é que ela tenha partido de uma civilização mais evoluída que a nossa: os sonhos de Donnie mostram-nos uma cidade do futuro inundada em água e o próprio Stephen Hawking escreveu que uma tecnologia avançada poderia utilizar com sucesso os buracos de verme. Outra possibilidade é a intervenção divina, que também é sugerida pelo filme. Esta solução tem conseqüências teológicas: Deus não seria um Grande Relojoeiro que dá corda ao mundo e se afasta para nunca mais intervir, mas é, pelo contrário, um criador que pode mudar de idéias e atuar no seu Universo através de milagres.

... Cuspido por Raphael, e informações adicionais IMDB e Cine PT

LUZ , CÂMERA , AÇÃO ...CORTA.

Caminhos do paraíso

2008-03-10T18:46:00.000-07:00

Os dias do paraíso que vemos são os dias da terra. Uma terra-mãe que dá a vida e a morte e onde o amor acontece, ele que também dá vida e que também dá morte. No cinema de Terrence Malick a natureza tem um papel determinante e “Days of Heaven” (1978), sua segundo longa-metragem, não é excepção. O olhar fixa-se nas envolvências, admira-se com o meio. Não é por acaso que o filme é narrado por uma criança, que nos põe a par do seu espanto pela existência que vai conhecendo e desconhecendo um pouco mais todos os dias. Há sempre uma pureza nos cenários que Malick nos mostra, uma pureza sempre condenada. O filme segue o trajecto de um casal de amantes.

No início partem de Chicago para buscar trabalho sazonal numa quinta texana. Lá fazem-se passar por irmãos e o dono da terra, um jovem com os dias contados, deixa-se apaixonar por ela, acabando por a desposar. Mas o amante-irmão está sempre presente e os momentos de felicidade são efémeros. No final há morte mas até a morte é vida. É só uma outra partida. As personagens não têm assim tanto relevo enquanto indivíduos. O filme termina e já nem nos lembramos do nome que tinham. Há algo de religioso neste filme, e não é somente o título. E há algo que nos traz à memória de Murnau, nomeadamente o Murnau de “City Girl” (1930).

Mas há um olhar que é só de Malick, que se fascina com o belo natural como ninguém. A beleza da luz e das sombras num crepúsculo ou numa noite, os movimentos de um rio, o branco da neve, até os insectos praga. À bela música criada por Ennio Morricone juntam-se os sons da própria natureza. Tudo se une, o artificial que sempre existe no cinema e a evidência do natural. Juntos são uma nova dimensão, uma dimensão malickiana, um sopro do vento que faz agitar as searas e as águas, que sentimos real mesmo que seja só no ecrã. As imagens são versos que nos maravilham. Pois se existe poesia em forma de cinema ela é a obra de Terrence Malick.

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2008-03-02T18:25:00.000-08:00

O Anjo Exterminador
(El Ángel Exterminador, 1962)
de Luis Bunuel

"A moral burguesa é, para mim, uma imoralidade contra a qual há de se lutar; esta moral que se baseia em nossas instituições sociais mais injustas como o são a religião, a pátria, a família e a cultura, em suma, o que se denomina os pilares da sociedade." Luis Buñuel

O retrato da burguesia de Buñuel é o mais vil e cruel, desumana e imoral faceta da sociedade: hipocrisia, o adultério, a vaidade, a desconsideração ao próximo, os maldizeres, a imoralidade (a qual é tratada com a maior naturalidade e complacência), e inevitável ironia sórdida. Além de uma sutil, mas não menos expressiva crítica à igreja.

Sem grandes arroubos técnicos, contando a história de forma bem simples, Buñuel faz uma voraz critica, muito expressiva, sobre a burguesia e suas “capas douradas” – que hoje pode ser estendida a todas as classes sociais.

Buñuel sabiamente despe a sociedade aristocrata, a qual se vê presa numa das salas de uma mansão após um jantar formal. Não há nada que os impeça de sair, porém o formalismo e a convenção os fazem refém de portas e grades imaginárias.
Com o decorrer dos dias, as convenções vão caindo, porém as barreiras imaginárias permanecem, momento no qual as mascaras desprendem-se de cada personagem, aforando os mais primitivos instintos.

Porém, como tudo isso seria possível? Como dito antes, os convidados são tomados de tal crise de abulia, talvez uma elevação do grau de passividade já retratado naquelas pessoas - em determinado momento, o médico presente compara o fato de se morrer ao termo "ficar completamente calmo" -. Ao se aproximarem da passagem para outro ambiente da residência, as pessoas sempre acabavam encontrando uma desculpa para evitar a continuação do movimento e, caso insistissem, ficariam prostradas, as forças esgotadas, impedindo os membros de se mexerem.

Ao contrário de Lynch (cujo trabalho de Buñuel foi uma óbvia fonte de inspiração), o realizador espanhol utiliza o silêncio para criar inquietação e desconforto, tanto psicológico como físico, ganhando com isto um maior realismo. Também ao contrário de Lynch, Buñuel utiliza uma estrutura narrativa mais linear e perceptível, em que destaca os diálogos em espanhol com grandes cargas de ironia, muitas vezes pouco perceptíveis quando sujeitos a tradução.

O Anjo Exterminador é, por fim, daqueles filmes para serem vistos e revistos. Preste atenção nos detalhes. O anjo e Buñuel têm sempre algo a dizer.

... Cuspido por Raphael, e informações adicionais IMDB

LUZ , CÂMERA , AÇÃO ...CORTA.

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2008-02-16T03:36:00.000-08:00

AMNÉSIA
(Memento, 2000)
de Christopher Nolan

"Memento" é refinado quebra-cabeça que exige memória e concentração do espectador.
Fernanda Russomano (Londres)

Memento é um filme do tipo conceitual. Daqueles que se prendem a uma idéia de roteiro e constroem toda a obra em torno e dependentemente dessa característica.

Com um enredo extremamente bem amarrado, o filme conta a história de Leonard Shelby, belissimamente interpretado por Guy Pearce, que sofre de perda parcial de memória devido a uma pancada que levou na cabeça do criminoso que estuprou e matou a sua esposa. Ele está a procura deste assassino que arruinou a sua vida. Como não consegue lembrar de nada por mais de alguns minutos, Leonard faz anotações de tudo o que vê, ouve e até das coisas mais rotineiras, como fazer a barba. Sua memória é registrada em fotos Polaroid e as mais cruciais são tatuadas em seu corpo, muitas vezes por ele mesmo.Durante esta desesperada busca, ele conhece o ambíguo Teddy (Joe Pantoliano), e a "barwoman" Natalie (Carrie-Anne Moss).

É verdade que "Memento" sofre do vício daqueles filmes em que as personagens (e, com elas, o espectador...) sabem de menos — é que nesses casos, o realizador sabe demais, e é difícil resistir à tentação do jogo e da manipulação.

O ritmo rápido das cenas em preto e branco torna "Memento" ainda mais intrigante e nos obriga a exercitar a nossa memória. Mostram o passado de Leonard antes do incidente e também são peças essenciais para a montagem deste filme "quebra-cabeça". "Memento" exige uma grande concentração.

O que falar da trilha sonora, que é muito bem utilizada, aparece nos momentos certos e é extremamente envolvente. E, principalmente, é preciosa na construção do ambiente depressivo que Christopher Nolan nos apresenta. E ajuda-nos a perceber que o filme, mais que um thriller, é um genial drama existencial.

As imagens que Cristopher Nolan nos oferece, em Memento, fazem lembrar as notas de uma qualquer melodia que não reconhecemos de imediato, quando a sua composição é ligeiramente alterada. Com o encadeamento inteligente e sedutor de ideias, a coerência entre a mente do espectador e o declarado desfile de epicentros psicológicos presente, podemos afirmar que, a Memento, só falta mesmo o que dele podemos sentir.

E é esse o desafio que nos é colocado. Sabemos o que aconteceu (o início do filme dá-nos a conhecer como termina), e não o que vai acontecer. Como se contemplássemos a perfeição e o jogo de cores presente na pintura de um quadro, não perdendo depois o entusiasmo, ao tentar perceber os motivos físicos e emocionais que levaram o pintor a criá-lo.

Memento torna-se, nesse sentido, num dos trabalhos mais estimulantes sobre a capacidade e o significado da memória de um ser humano e da rotina desse pensamento.

Nós, enquanto indivíduos, podemos decidir “esquecer” algo que não nos agrada, algo com que não nos queremos confrontar. O início e final de “Memento” são, por isso, particularmente chocantes, não tanto no que mostram, mas pela forma como questionam e jogam com as nossas certezas e, principalmente, pela forma como constatamos, em toda a sua dimensão, o destino cruel da personagem principal. No fundo, a ambíguidade de acreditar naquilo que queremos… Hitler também pensou o mesmo, com os resultados que se conhecem. A existência do anjo da morte loiro que Pearce encarna com tanta bravura não anda muito longe…

... Cuspido por Raphael, e informações adicionais IMDB e Cine Players .

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2008-02-10T01:38:00.000-08:00

SENTENÇA DE MORTE

(Death Sentence, 2007)

de James Wan

O tema não é novo. Família que vive em perfeita harmonia transforma cada momento especial num pedaço de “eternidade” com gravações e mais gravações dos principais eventos comemorados juntos. Até que um dia, o filho mais velho é assassinado em frente ao pai que consegue reconhecer o assassino. Começa então uma guerra particular entre o pai atormentado e a gangue. Tudo acompanhado de perto pelo sistema falho de justiça e por policiais coniventes.

O filme realmente mostra o que acontece com quem tenta fazer a justiça com as próprias mãos. Entendo que o personagem de Nick fique louco ao saber que seu filho não foi morto por “acidente” em um assalto, mas sim determinadamente escolhido para a iniciação em uma gangue de um moleque chamado Joe.

O fato é que Nick parte mesmo para a vingança e consegue comer o seu prato ainda quente. Mas, claro, desencadeia uma reação das grandes de Billy e de sua gangue - formada ainda por Bodie (Edi Gathegi), Heco (Hector Atreyu Ruiz), Baggy (Kanin J. Howell) Jamie (Dennis Keiffer), Tommy (Freddy Bouciegues), entre outros. A reação do grupo rende algumas cenas de perseguição ótimas, além de uma inevitável represália para o restante da família de Nick.

O diretor ainda acertou em cheio ao escolher Kevin Bacon para o papel do pai que passa por três grandes transformações durante o filme, de pai boa praça, passando pela fase de atormentação com a morte do filho e terminando como um animal tão violento quanto seus inimigos. Sua performance supera seu belíssimo trabalho em O Lenhador (2004). A sumida Kelly Preston (Sky High) não compromete sua participação como a mãe de família. Mas são dois coadjuvantes que dão um show quando aparecem em cena. John Goodman (A Volta do Todo Poderoso) rouba toda as suas cenas como um vendedor de armas duro na queda. Garret Hedlund (Eragon e sobrinho de Brad Pitt em Tróia) se despe de sua beleza épica para interpretar o líder da gangue e não desaponta.

A direção de James Wan é bem equilibrada, com o tom exato conforme a situação e com espaço para alguns momentos mais de expressão dos personagens. A história é baseada no livro de Brian Garfield, com roteiro assinado por Ian Jeffers.

O que poderia ser um drama psicológico com alguns momentos de tensão, nas mãos do diretor James Wan (Jogos Mortais) se torna uma montanha russa sangrenta de perseguições em busca vingança. A trama escrita pelo escritor de Desejo de Matar (a maior saga de vingança familiar do cinema!) não dá trégua para o espectador. Apesar de abusar dos velhos clichês hollywoodianos, nos compensa por contar com cenas memoráveis (geralmente violentas) e pequenas reviravoltas que dão fôlego para o filme crescer num final que não desaponta.

... Cuspido por Raphael, e informações adicionais IMDB, CINEPT e CineCartaz.

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2008-01-26T09:54:00.001-08:00

ASSÉDIO
(Besieged, 1998)
de Bernardo Bertolucci

Assédio nos traz um Bertolucci especialmente inspirado e em sua melhor forma. Elegante nos sentidos, conciso em palavras, rico em cores e magistral em concepção, o filme atinge um nível de perfeição raro no cinema autoral contemporâneo. Sua câmera e sua edição nos surpreendem a cada tomada e a cada corte. O encadeamento das cenas é como um rico bordado alinhavado com cores, sons, objetos e texturas.

O filme pode ser visto como a radiografia do crescimento de um amor. Adicionalmente, e por não se conformar com apenas isso, Bertolucci introduz alguns toques sócio-políticos, ao abordar a difícil situação de algumas comunidades africanas.

Com extrema sensibilidade, ele procura, com sua conhecida maestria, usar a música, o corpo, a troca de olhares, ao invés do diálogo, para passar sua mensagem ao espectador. Composições clássicas de Mozart e Bach se conjugam com o inspirado sax de John Coltrane e com uma seleção de ritmos africanos.

Além da magnífica direção de câmera e da fantástica seleção de músicas, "Assédio" conta ainda com um ótimo roteiro, escrito por Bertolucci e por sua mulher, Clare Peploe, com o competente design de produção de Gianni Silvestri, com a bela fotografia de Fabio Cianchetti e com as grandes atuações de David Thewlis e Thandie Newton.

Assédio vai elaborar todo um discurso a respeito das novas formas de viver, de pensar, as novas modalidades de trabalho, de vínculo social. O filme sinaliza para outros modos de sociabilidade num mundo de populações, imagens e culturas migrantes. Segundo Bertolucci, a idéia era “trabalhar uma dramaturgia sem conflito”.

A impossibilidade do diálogo é central aqui. Um dos únicos momentos em que uma troca de palavras acontece, ao invés de aproximar à africana e o inglês, gera, ao contrário, ódio e indignação. Ele diz, em inglês: “Eu amo você. Vou com você para qualquer lugar. Se você quiser, nós podemos ir à África.” E ela responde, em inglês, empurrando-o para longe: “África? Mas o que você sabe sobre a África?”

No geral trata-se de um filme delicado, contraditório (o que faz dele tão belo) à situação que vai decorrendo;pois há um peso vital que o desejo, o afeto, o querer, o sexo, se fere ao defrontar a história por valores e pré-conceitos quase como que um fantasma imenso e pesado a atormentar vontades, talvez apenas perceptível quando encostado ao amor, porem invisível aos nossos próprios olhos mesmo que sempre invocado por nós mesmos. O filme é intrigante, doce e doloroso...

... Cuspido por Raphael, e informações adicionais IMDB e CINEPT.

LUZ , CÂMERA , AÇÃO ...CORTA.

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2008-01-19T09:26:00.000-08:00

ENTRE O CÉU E O INFERNO
(Black Snake Moan, 2006)
de Craig Brewer

“Blues de alma, mas rock 'n' roll em atitude, “Black Snake Moan” parece a princípio mais um exemplar de cinema conservador raivoso travestido de filme “pulp”, mas vai além numa cena espetacular”. Bernardo Krivochein.

A história no começo pode soar mais uma obra caricata mergulhada em apelação, mas o diretor e roteirista Craig Brewer (de "Ritmo de Um Sonho") trata de dar à trama sensibilidade, e por mais que risadas de canto de boca possam surgir quando Ricci "devora" os homens, o expectador acaba se sensibilizando com a situação da personagem.

O leque de personagens principais é fabuloso. Samuel L. Jackson vive o pós-trauma do término de um casamento de vários anos, isolado na sua quinta, refugiando-se no álcool e nos blues que outrora faziam dele um homem de significado cultural no seu meio. Christina Ricci com uma espantosa representação tem uma de suas mais ousadas performances. Ela é uma jovem que vê o namorado partir para uma experiência militar e assim se vê privada de todo o conforto emocional que este lhe transmite, regressando a um passado bem presente de distúrbios psicológicos.

“Absorver-nos nessa cultura tão distinta, mas, simultaneamente, tão universal - A cultura do amor - Que não tem margens. Nem nome”. Craig Brewer

E, em “Black Snake Moan”, Brewer arquiteta uma história que nos vai atribuindo, a pouco e pouco, os detalhes que precisamos para a compreender e apreciar. É um filme atípico, com a alma de uma boa canção de blues e que questiona a força do amor. E aborda a necessidade de relações humanas, a necessidade de tranquilidade interior e a necessidade de afirmação em determinado meio. Porque o termo “meio” pode ser mais circunscrito do que se pretende.

“Black Snake Moan” mostra a que veio numa cena espetacular que explode na tela e revela a verdadeira ambição do longa: incapaz de pregar os olhos à noite, Lazarus decide dar mais uma chance a sua guitarra de blues e leva Rae, quase completamente reformada, para o bar que ele freqüenta há sabe-se lá quantas décadas. Lazarus costumava tocar lá, suas performances históricas tendo permanecido só na saudade da comunidade boêmia local por muito tempo. A notícia do retorno de Lazarus ao palco do bar provoca comoção geral: ao contrário de todas as noites, o lugar está lotado. Lazarus e banda começam a tocar e Rae, assim como todos os freqüentadores, dançam como se possuídos. É uma dança sugestiva, erótica, de fazer os conservadores ficar de cabelo em pé. É uma “Dança da Garrafa” ou a coreografia da “Injeção”. Mas Brewer faz desse momento, senão o mais puro, o mais catártico em todo o filme.

"Black Snake Moan" tem vários paralelos com o blues. É uma obra sobre redenção, espiritualidade e amor, em que as pessoas precisam espantar seus "demônios" ou simplesmente seguir em frente e conviver com eles.

Destaque para a trilha sonora, repleta de belas canções de blues.

Trilha sonora:

1 - When The Lights Go Out Escrita por Daniel Q. Auerbach & Patrick J. Carney.Interpretada por The Black Keys.
2 - Lord Have Mercy On me Escrita por Junior Kimbrough.Interpretada por Outrageous Cherry.
3 - Standing In My Doorway Crying Escrita e Interpretada por Jessie Mae Hemphill.
4 - Pass And FailEscrita por Erika Wennerstrom.Interpretada por The Heartless Bastards.
5 - Mr. Oblivian Escrita por Michael Paul Walker.Interpretada por Eldorado and the Ruckus.
6 - The Losing Kind Escrita e Interpretada por John Doe.
7 - Just Like A Bird Without A Feather Escrita por R.L. Burnside.Interpretada por Samuel L. Jackson e Kenny Brown.
8 - Hate On Escrita por Al Kapone e John Shaw.Interpretada por Al Kapone.
9 - Morning Train Interpretada por Precious Bryant.
10 - Chicken Heads Escrita por Bobby Rush e Calvin Carter.Interpretada por Bobby Rush.
11 - Catfish Blues Escrita por Robert Petway.Interpretada por Samuel L. Jackson.
12 - Jack's Blues Escrita e Interpretada por Big Jack Johnson.
13 - Catfish Medley Interpretada por Samuel L. Jackson e Big Jack Johnson.
14 - Jesus On The Mainline Interpretada por Tate County Singers.
15 - Granny, Do Your Dog Bite? Escrita por Otha Turner.Interpretada por Otha Turner e The Rising Star Fire & Drum Band.
16 - Lonesome In My Home Escrita e Interpretada por Junior Kimbrough.
17 - A Town With No Shame Escrita e Interpretada por Jimbo Mathus.
18 - Old Black Mattie Escrita e Interpretada por R.L. Burnside.
19 - All I Need Is Some Sunshine In My LifeEscrita por W. Dean Parker.Interpretada por The Dixie Nightingales.
20 - Black Snake Moan Interpretada por Samuel L. Jackson and Jason Freeman.
21 - Balm In Gilead Interpretada por S. Epatha Merkerson.
22 - My Baby Got Drunk Escrita e Interpretada por Paul "Wine" Jones.
23 - Alice Mae Escrita por R.L. Burnside e Kenny Brown.Interpretada por Samuel L. Jackson, Kenny Brown e Cedric Burnside.
24 - Stackolee Interpretada por Samuel L. Jackson, Kenny Brown, Luther Dickinson e Cedric Burnside.
25 - This Little Light Of Mine Interpretada por Christina Ricci e Alvin Youngblood Hart.
26 - Mean Ol' Wind Died Down Escrita por Luther Dickinson.Interpretada por North Mississippi Allstars.

Cuspido por ...Raphael & informações adicionais IMDB e List Music.

LUZ , CÂMERA , AÇÃO ...CORTA.

Simplesmente Cinema Recomenda: Especial de Natal

2007-12-24T11:26:00.000-08:00

O ESTRANHO MUNDO DE JACK
(The Nightmare Before Christmas , 1993)
de Tim Burton
Caso seja realmente necessário enquadrar a produção em uma categoria específica, que seja na dos filmes criados pela maravilhosa mente do cineasta Tim Burton.

“O Estranho Mundo de Jack”, produzido por Tim Burton e dirigido por Henry Selick. Burton, que ficou famoso dirigindo campeões de bilheteria como “Batman” e a nova versão de “O Planeta dos Macacos”. Com um estilo único, tendendo para o macabro. Ele contava a história de Jack Skellington, um esqueleto que era o rei do mundo do Halloween mas que, um dia, se apaixona pelo Natal e resolve substituir o Papai Noel.

O filme conta com a técnica de animação chamada de “stop motion”. A técnica consiste em usar bonecos articulados que são fotografados e movidos um quadro de cada vez.

O filme fala sobre como o rei do Halloween, Jack Skellington, fica entediado em fazer todo ano a mesma coisa. Um dia, andando a esmo, ele encontra uma clareira mágica no meio da floresta com uma porta que o leva ao Mundo do Natal. Jack, acostumado ao mundo sombrio e macabro do Halloween, fica encantado com o Natal, a neve, os presentes e com a figura do Papai Noel. Ele volta ao Mundo do Halloween todo animado e decidido a fazer ele mesmo o Natal daquele ano. Para isso ele tem que, primeiro, seqüestrar o verdadeiro Papai Noel. Dá para imaginar as confusões que ele vai causar por causa de sua obsessão. Sua melhor amiga (e que está apaixonada por ele), a boneca de pano Sally, tenta faze-lo mudar de idéia, mas é em vão. Há uma quantidade enorme de personagens estranhos e bizarros, além de Jack e Sally. Há o Dr. Finkelstein, um cientista maluco que pode abrir a própria cabeça, há vampiros que jogam hockey no gelo com cabeças mortas, há três garotinhos capazes das piores traquinagens e há o grande vilão, o Bicho Papão em pessoa. Há também o prefeito de Halloween que, como todo político que se preze, tem duas caras, que ele usa conforme a situação.

Há cenas memoráveis e muito engraçadas, como quando todo o Mundo do Halloween está preparando a sua versão do Natal, embrulhando presentes estranhos como ratos mortos, monstros de vários tipos, cobras venenosas, entre outros. Tudo isso é levado pelo próprio Jack em um trenó voador puxado pelos esqueletos de renas mortas e guiados pelo fantasma do seu cachorro (cujo nariz brilhante guia o caminho). A técnica é impressionante e impecável. Podemos perceber detalhes escondidos em partes do cenário, como ratinhos correndo pelos cantos, água caindo, fumaça, fogo, tudo animado ou acrescentado pelos mágicos dos efeitos especiais. Meses se passavam antes que apenas alguns minutos de filme pudessem ser filmados.

A música é um capítulo à parte. Composta pelo colaborador habitual de Tim Burton, Danny Elfman, ela é vibrante e ajuda a contar a história com letras intrigantes e engraçadas. Elfman compôs toda a trilha sonora, escreveu as letras e também interpretou o papel de Jack.

Uma obra marginal do cinema de animação e algo que nunca tinha sido visto antes da sua criação. E penso que nunca mais se verá nada assim. . O resultado é um delicioso filme que, devido ao seu conteúdo visual e ao argumento singular, ficará para sempre na memória de quem o vê não só como um dos melhores filmes do género alguma vez feitos como uma das experiências mais satisfatórias deste meio tão versátil que é o cinema.

Cuspido por ...Raphael & informações IMDB, Em Cena e Cinema2000.

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Projeto Curta Aí - Cap.5 O Sonho

2007-12-06T05:22:00.000-08:00

Esse conto é parte de um projeto que se iniciou no blog Defecar, Parir e uma Idéia, passou para o (...) Momentos Imponderáveis na forma pontos Insustentáveis (...), deu uma dilapidada no Contos Ancestrais, caiu nas mão do Dragus do Pensamentos Equivocados e agora fui indicado pelo ultimo citado a dar continuidade a esse grande projeto.

Para acompanhar todos os outros cap. e conhecer mais o projeto, ele se chama Curta Aí agora vamos ao Cap.5

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(...)

O Sonho , 5ª parte

Não estava mas distinguindo o real do imaginário... Alguns segundos com os olhos fechados e nada de sangue, confuso com a situação resolve ir se deitar. Foi até a cozinha ainda muito abalado com o acontecido, deu um beijo na sua mulher, abriu a geladeira pegou uma cerveja e comentou que ia se deitar, pois não se sentia bem. Sua esposa na hora percebeu que algo estava errado, mas achou melhor não comentar.

Chegando no quarto a tranqüilidade parece enfim esta no ar... Puxa uma cadeira e senta próximo a sacada do seu quarto e quieto começa a observa o movimento do exterior da sua casa e com ele seus sons... A chuva parecia que não queria parar de cair, o barulho da gota no vidro da sacada era uma coisa agonizante, e junto com o som emitido das arvores o deixava cada vez mas pensativo.

Entre um gole e outro, pega em seu bolso a sua carteira de cigarros encharcada e retira o ultimo cigarro...

O silencio toma conta do quarto e Sibis não consegue tirar aquele olhar de seus pensamentos... Era misterioso, intrigante, e ao mesmo tempo tão azul!

Ele Sabia que poderia passar horas, dias e meses que o acontecido de hoje no hospital não sairia de seus pensamentos.

Dr. Sibis não estava entendendo seus sentimentos, queria saber o que expressavam, mas uma coisa é certa, seus constantes sonhos estariam ligados aquela moça com o nome de Nara e viu através dela uma forma de entender eles, pois aquele olhar constantemente aparecia em seus sonhos.

Sem perceber Sibis cai no sono...

Ao abrir o olho se vê em um corredor muito comprido, tudo estava tão claro que mal conseguia abrir por completo os olhos, logo ao fundo vê que algo esta no chão... ou seria alguém, decidindo descobrir Sibis em direção, mas percebe que é inútil e quanto mas ele anda mas ele se afasta... Vozes começam a ecoar pelo corredor no inicio ele não entende, o significado cada vez fica mais claro e percebe que é uma voz doce e suave que estava a pedir ajuda.

Novamente o silencio toma conta do ambiente e rapidamente tudo fica escuro e Sibis não consegue ao menos ver a palma da sua mão, algo esta segurando os seus pés de modo que fica totalmente paralisado, o coração esta a bater cada vez mais rápido, ele sabe que algo esta pra acontecer... quando escuta bem longe um grito que cada vez estava a ficar mais alto, tapando os ouvidos pois o barulho ficou insuportável que começaram a incomodar e a dor sentir.

O grito se cala e uma calmaria bate... um brisa gelada passa por Sibis que logo percebe que algo se aproxima, quando uma mão muito fria segura o seu ombro e sussurra ao pé do ouvido...

“Sabemos que sabe ... Nos sabemos...”

No susto Sibis acorda e se depara com o rosto da sua bela esposa, assustada com a fisionomia do seu marido e começa a tentar acalmá-lo e por um momento esquece do recado que tem pra entregar. Ânimos mais calmos todos relaxados.

Amor! Telefonaram do hospital, falaram que era urgente – Fala esposa.

Sibis retorna a ligação sabendo que para alguém ter ligado pra ele, algo muito grave havia acontecido, pois ele era apenas um novato.

O telefone dispara 3 vezes e na quarta a mesma voz doce e suave do seu sonho atente o telefono era Nara. Sibis logo percebe com quem estava falando e antes que ele questionasse o motivo que ela estava com o telefone e como ela tinha o seu número ele após o choque da ligação percebeu que Nara não parava de repetir uma mesma frase...

“A vida e a morte estão ao meu lado,me ajude” (...)

Continua...

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Como o Dragus comentou e eu fui conferi, venho incicar o Rob Gordon, do http://champ-vinyl.blogspot.com/, ele tem um toque de humor que completaria ainda mas nesse belo suspense !!

Abraço

Simplesmente Cinema Recomenda

2007-12-03T13:14:00.000-08:00

BELEZA ROUBADA
(Stealing Beauty, 1996)
de Bernardo Bertolucci

“O amor não existe,
somente as provas de amor”.

Resulta em uma idéia pouco original, onde o estilo e a narração de Bertolucci convivem em um interessante forma de contemplar valores como virgindade e os laços familiares. Sendo esses os pilares, Bertolucci consegue captar o “ algo a mais “ com uma excelente maneira de transmitir a consciência cinematográfica.

“Tenho um segredo dela. Lá no fundo. Por anos, tive de esconder. Eu trouxe as pistas, e agora estou aqui, para fazer a verdade aparecer...”.

Uma Relação interessante no filme, e como conseguimos compreender com base em resultados a forma em que Bertolucci trata a virgindade, com um toque feminino e absolutamente limpo: Um bonito jogo de sedução... Magnificamente retratado.

Um jogo difícil para um cineasta com a sua experiência...

“A sorte está lançada. Os dados foram jogados. Eu me sinto péssima, você parece de ouro”.

Uma obra consideravelmente menor de Bertolucci, Beleza Roubada apresenta muito da ousadia do diretor, como também sua visão sobre a alma feminina e a forma como encara amor, sexo e exuberância.

- Os textos em destaque são poesias escritas pela protagonista e escritos na tela.

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LUZ, CÂMERA, AÇÃO ...CORTA.

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2007-11-16T07:43:00.000-08:00

O GRANDE TRUQUE
(The Prestige, 2006)
de Christopher Nolan

" Todo grande truque de mágica consiste em três atos. O primeiro ato é chamado "A Promessa": o mágico mostra à platéia alguma coisa ordinária… mas que naturalmente não o é. O segundo ato é chamado "A Virada": o mágico faz essa coisa ordinária fazer algo extraordinário. Agora, você está procurando pelo segredo… você não o encontrará, e é por isso que há um terceiro ato chamado "A Fascinação" : esta é a parte das reviravoltas, onde as vidas ficam suspensas e você vê algo chocante que nunca havia visto antes. "

Com uma história intensa e poderosa sobre duas vidas que se entrecruzaram na tragédia e passaram a estar visceralmente ligadas pela obsessão, inveja e desejo de vingança...

Um dos truques preferidos do diretor Chistopher Nolan é a não-linearidade. Amnésia, seu grande sucesso, é construído inteiramente inteiramente "de trás pra frente". O Grande Truque não chega a tanto, mas é suficientemente descontínuo para intrigar o espectador e fazê-lo perguntar-se algumas vezes: "como é que isso aconteceu?". Nada mais do que apropriado para um filme de mágica.

Percebemos como é fácil traçar paralelos entre a arte da mágica e a sétima arte: ambas visam ao entretenimento por meio da ilusão. Você não vai ao cinema para descobrir como o iluminador, o roteirista e o editor trabalham, embora possa interessar-se pelo assunto e observar com mais atenção um detalhe ou outro. Essencialmente, você vai para se iludir, para tentar adivinhar o rumo da história e, quando o filme é realmente bom, surpreender-se com o seu desfecho, ou ao menos se encantar com ele.

O Grande Truque realmente suspende a respiração da platéia com um enredo tão impressionante quanto um bom número de mágica, Em certo momento, o personagem de Jackman afirma algo do tipo: “O mundo é sólido. Fazer a platéia pensar, nem que seja por alguns segundos, é atingir algo especial”.

“Se a platéia quer ser enganada, tudo parece mais simples”.

Com interpretações convicentes de atores que parecem brincar em cena, o filme é um jogo de lógica extremamente concentrado no seu objectivo, um quebra-cabeças soberbamente concebido e que dá gosto tentar resolver.

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LUZ, CÂMERA, AÇÃO ...CORTA.

A Frase do dia ...

2007-11-10T07:52:00.000-08:00

O cinema é uma doença - quando nos infecta o sangue passa a ser a hormona dominante, representa o lago da nossa psique. Como para a heroína, o antídoto para o cinema é mais cinema.

Frank Capra

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2007-10-27T04:10:00.000-07:00

O PLANO PERFEITO
( Inside Man, 2006 )
de Spike Lee

“Preste bastante atenção ao que vou escrever porque escolhi cuidadosamente as palavras”. O Plano Perfeito.

Este Filme é um daqueles que, se você contar um pouquinho mais do que deve, estraga a surpresa de quem ainda não assistiu. Logo no começo do filme, Dalton Russel ( Clive) utiliza a fórmula básica de narração para compor sua história: quem , o que , por que , quando , onde e , o mais importante, como. Segundo o próprio título sugere, o plano perfeito para roubar o banco e não ser capturado; este é o enredo.

Com as entrelinhas, o roteiro de Russell Gewirtz, multiplica sua abrangência, seu alcance. Em praticamente todas as cenas, o filme abre espaço para a discussão ética, criando um painel sobre a diferença.

Como se não bastasse o roteiro e o diretor a trama traz elenco dos mais bem selecionados, verdadeiros talentos como Denzel Washington, Jodie Foster, Clive Owen, Willem Dafoe, Christophe r Plummer e Chiwetel Ejiofor, atores que acompanhamos com genuíno prazer cinéfilo – é de uma satisfação sem igual ver filme recheado com diálogos inspirados ditos por gente tão afiada e interessada. Owen, já um sinônimo de competência, interpreta Dalton Russell, um d esses golpistas astutos e que, somos convencidos, tem mesmo um plano perfeito entre suas palavras cuidadosamente escolhidas. Auxiliado por alguns comparsas, o sujeito inicia clássico assalto a banco, trancando o local e mantendo significativa quantidade de reféns assustados.

Agindo contra o interesse de Russell está o Detetive Keith Frazier (Denzel Washington, provando que ainda sabe compor um tipo sem cair na caricatura), responsável por negociar com os criminosos a libertação dos reféns. E representando os objetivos da elite está Madeliene White (Jodie Foster), uma elegante figura que utiliza todos os favores a seu alcance – inclusive os do prefeito – para cumprir sua meta.

Todos os clichês do gênero estão lá: furgões disfarçados, bandidos mascarados, autoridades que se desentendem, reviravoltas e um mocinho em ponto baixo da carreira que precisa dar a volta por cima. Mas Lee é esperto o suficiente para deixá-los em segundo plano e destacar o que realmente lhe interessa: mostrar o caldeirão étnico que hoje é a cidade de Nova York.

O Plano Perfeito é um thriller que vai muito além do puro entretenimento nos presenteando com um rico retrato de observações sobre a natureza humana e o comportamento. Uma pequena obra prima brilhantemente construída que merece ser observada de perto agora e sempre.

Cuspido por ...Raphael & informações adicionais IMDB e Omelete

LUZ , CÂMERA , AÇÃO ...CORTA.

Imagens em forma de videoclip

2007-10-22T14:53:00.000-07:00

Como que por magia, carregando na imagem de Emile Hirsch a saudar um qualquer bando, temos acesso ao videoclip de Hard Sun. Toda e qualquer semelhança com uma promoção gratuita do filme Into The Wild, e respectiva banda-sonora, é pura coincidência.

Veja o videoclip

Este Blog Vale a Pena Conferir !

2007-10-16T11:32:00.001-07:00

Para minha grata surpresa fui relacionado pelo andrey do clickfilmes ( link nos parceiros do blog) com o selo do " Este blog Vale a Pena Conferir", agora tenho a difícil tarefa de oferecer a 5 blog o mesmo selo ... os premiados são ...

http://cinemaafinseumadosedewhiskey.blogspot.com/
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http://butiquedaseverina.blogspot.com/
http://young-vampire-luke-lestat-news.blogspot.com/
http://sofalar.blogspot.com/

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2007-09-28T10:35:00.000-07:00

OS SONHADORES
( The Dreamrs, 2003)
de Bernado Bertolucci

“Um jovem cineasta é um espreitor. Um Voyeur. Como se a câmera fosse o buraco da fechadura dos pais. Você os espia, fica enjoado, sente-se culpado, mais não consegue desviar o olhar”, essas são as palavras do jovem Matthew. Diálogo, que parece um polco solto, é revelador. Porém no filme, Bernardo Bertolucci não conduz a câmera para o buraco da fechadura do quarto dos pais, mas para a dos filhos.

Descrever “Os Sonhadores“, não é nada fácil. Sem duvida uma das maiores dificuldades reside no fato do filme ter ligações diretas e indiretas com dezenas de clássicos cinematográficos. Por mais que se pesquise, por mais que se faça ligações, sempre fica faltando algo e termina que você não viu todos os filmes citados. A mente viaja em busca de explicações. Não é qualquer filme que faz isso com uma pessoa, Os Sonhadores faz o espectador sonhar.

Vamos situar a trama que move o filme: Fevereiro à maio de 1968, em Paris, no estupim da revolução que colocou estudantes frente a frente com a polícia e entrou para historia mundial. E neste ambiente que dois rapazes e uma garota dividem a paixão pelo cinema, desejo de mudar o mundo (cada qual do seu jeito), um espaço na mesma banheira e muito vinho.

O inicio do filme, nos permite reflexões, por mais que os fatos seja verídicos, a visão cinematográfica de Bertolucci escancara a idéia de que o cinema foi o grande responsável pelas manifestações políticas que vieram a seguir. Tornando algo a se pensar.

Bertolucci homenageia uma serie de filmes consagrados do cinema, “A qual filmes estou imitando?” frase que estabelece um tipo de jogo entre os atores.

O três jovem ate certo momento da narrativa, não parecem compreender a diferença entre a realidade e a ficção. Uma das referencias explicitas e do desenho “A dama e o vagabundo” que é um retratado no encontro de Isabelle e Mattahew, sentados numa mesa de bar, dividindo um mesmo copo, 2 canudos , bebendo ate o fim e a câmera fecha os 2, que se olham.

Os Sonhadores se dividi entre o prazer e a política, individuo e a sociedade, entre o barulho das ruas e o silencio dos quartos. Os Sonhadores é um retrato antigo de um tempo que se foi para numa mais voltar, e por mais que se escreva, parece que não basta.

... Cuspido por Raphael, e informações adicionais IMDB.

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Quais os filmes da sessão da tarde que você mais gostava?

2007-09-14T19:32:00.000-07:00

Quando falamos "Filmes Sessão da Tarde" não estamos falando especificamente de filmes da Globo, mas também de filmes do finado "Cinema em Casa" do SBT ... Essa pergunta pode-se dizer que não tem uma resposta, que provavelmente vai render uma boa discussão que vai gerar varias opiniões, resolvi arriscar e trazer um humilde TOP 10...

10 .: Dias de Trovão (Days of Thunder, 1990)

Cole Trickle (Tom Cruise) é um jovem piloto de stock car que tem muito talento, mas nenhuma idéia de como realizar este dom para obter vitórias. Porém, as coisas mudam quando Tim Daland (Randy Quaid) convida Harry Hogge (Robert Duvall), um veterano piloto de stock car, a construir um carro e contratar Cole para dirigi-lo.

A partir de então Harry precisa passar para Cole sua filosofia de vitória e ensiná-lo como transformar seu talento cru em sucesso. Cole imediatamente entra em conflito com Rowdy Burns (Michael Rooker), o piloto mais badalado do circuito, mas esta rivalidade acaba criando um acidente, que manda ambos para o hospital. Por causa dos seus ferimentos, Rowdy é forçado a abandonar a competição.

9.: O Ultimo Americano Virgem (The Last American Virgin, 1983 )

O último americano virgem dirigido por Boaz Davidson em 1982 lotou as salas de cinema. Este filme é um clássico no gênero cujo tema central é sexo, ou melhor, a virgindade masculina.

Um sexo adolescente que acaba sendo mais cómico do que picante ambientado em Los Angeles Califórnia,que conta à história de Gary, Rick e David. Três amigos e um problema imenso para eles a virgindade de Gary.
Gary o protagonista principal do filme a ele se da o titulo de o ultimo americano virgem devido que é o ultimo dos três amigos a perder a virgindade, onde Gary é sensível e se apaixona a primeira vista por Karem.

8.: Clube dos 5 (Breakfast Club, 1985)

Dirigido por John Hughes o filme conta a história de cinco adolescentes: três rapazes e duas garotas com perfis bastante diferentes, uma mistura interessante de drama e comédia. O atleta, a princesa, o criminoso, o gênio e a complicada impossível não se identificar com um dos personagens.
Confinados num sábado na biblioteca da escola “Shermer”, em Ilinnois por terem cometido infrações educacionais recebem como punição a tarefa de escrever uma redação comentando em 1000 palavras sobre si.São pessoas bem distintas que com o passar das horas apesar das discussões, brigas e hostilidades acabam se aceitando e fazendo várias confissões relatando os motivos por estarem ali conotando a culpa aos pais. O que parecia tedioso torna-se agradável. O interessante do filme é a quebra dos estereotipo dos personagens isso ocorre na cena na qual fumam maconha e a partir daí começam aceitar uns aos outros.
Acabam por fim tornado-se amigos e até um casal de namorados. Um dos mistérios do filme é a presença do cérebro da escola estar ali recebendo a punição. E a grande duvida continuar sendo amigos na segunda-feira? Os questionamentos revelam a ilusão da vida escolar na qual demonstram que as pessoas não aceitam as diferenças levando o personagem Brian Johnson as lágrimas. Como apresentar para sua turma seus novos amigos?

7.: Conta Comigo (Stand By Me, 1987)

Em uma pequena cidade florestal do Oregon, quatro amigos - o sensível Gordie (Wil Wheaton), o durão Chris (River Phoenix), o destemido Teddy (Corey Feldman) e o acovardado Vern (Jerry OConnell) - estão à procura do corpo de um adolescente desaparecido. Querendo ser heróis diante dos amigos e aos olhos da cidade, eles partem numa inesquecível viagem de dois dias que se transforma em uma odisséia de auto descoberta. Eles fumam escondidos, contam casos assustadores e descobrem que precisam ficar unidos e encontrar forças que nem imaginavam possuir. Conta Comigo é um filme raro e especial sobre a amizade e as indeléveis experiências do crescimento. Cheio de humor e suspense, o filme é baseado no romance "O Corpo", de Stephen King.

6.: Te pego la fora (Three O`Clock High, 1987)

Jerry Mitchell (Siemaszko) é um pacato estudante secundário que, sem querer, entra em atrito com Buddy Revell (Tyson), um violento estudante que acaba de entrar para o colégio. Buddy desafia Jerry para uma luta às três da tarde, no pátio do colégio. Apavorado, Jerry tenta de tudo para escapar – paga, com dinheiro roubado da caixinha, outro estudante para lutar em seu lugar, tenta ficar de castigo, é apanhado com uma arma, recorre aos amigos, à irmã Brei (Glick) e à namorada Franny (Ryan) -, mas acaba tendo mesmo de enfrentar o grandalhão Buddy.

5.:Mulher Nota 1000 (Weird Science, 1985)

Gary e Wyatt são dois típicos nerds. E querem o que todo menino de 16 anos quer: amigos, popularidade, ir bem na escola. Ahn... nada disso. Eles querem mesmo é conhecer garotas. Mas, como bons nerds, não são muito bons nisso (afinal, não é desses sujeitos tímidos e desajeitados que todas as comédias românticas de adolescentes são feitas? O que seria da gente sem eles?).
Um dia, vendo um filme de “Frankestein”, eles têm a mirabolante idéia: já que não conseguimos sozinhos, porque não criar uma personal-mulher-perfeita?! Para isso, eles usam vários recortes de revista de mulher pelada e fotos que encontram em sites na internet pré-histórica que já existia na época. Eles colocam os dados no computador de Wyatt (um Memotech MTX512), e... a geringonça (hoje seria peça de museu!) começa a fazer uns barulhos estranhos, parece que sofre um curto-circuito. De repente, a porta do banheiro começa a tremer e explode. Através de uma fumaça iluminada de rosa, eles vêem... Kelly LeBrock (Lisa, no filme). Eles conseguiram! E a mulher nota 1000 é muito mais do que o que eles esperavam: além de gata(bocão, pernão, peitos e... ahn, um cabelo gigantesco devia ser bonito na época), ela é esperta e muito bacana. Logo consegue transformar os garotos em super-populares e os ajuda a conquistar as garotas de seus sonhos.

Lisa consegue até dar um jeito no irmão mala de Wyatt, Chet. Como os irmãos mais velhos de filme, ele é fortão e adora deixar a vida dos outros um inferno. Mas nada em que Lisa não possa dar um jeito, é claro. Depois de resolver os problemas dos garotos e depois de metê-los em um monte de confusões, Lisa vai

embora, em seu carro vermelho.

4.: Sem Licença para Dirigir (License To Drive, 1988)

Grande clássico do cinema dos anos 80. Corey Haim, um dos mais cobiçados galãs da época, é Les, um garoto que só quer impressionar a namorada Mercedes (Heather Graham). Para isso, ele pega emprestado o carro do pai, mesmo sem ter licença para dirigir. Para comemorar a primeira noite com a “suposta” carta, afinal que mal tem em dar uma voltinha com o carro?

3.:Namorada de Aluguel (Can't Buy Me Love, 1987)

Ronald Miller (Patrick Dempsey) é um jovem tímido e trabalhador, que sempre sonhou em ser popular no colégio. Quando ele descobre que Cindy Mancini (Amanda Peterson), uma garota linda que todos os garotos paqueram, está precisando de 1000 dólares ele surge com uma insólita proposta: empresta o dinheiro a ela e em troca ela deverá fingir ser sua namorada. Ela topa e, com sua ajuda, ele acaba se tornando um dos garotos mais populares do colégio.

2.: Os Goonies( The Goonies, 1985)

“Goonies never say die!” Depois de 20 anos, o filme não cansa. As aventuras dos meninos das docas Goon ainda deixam aquele gostinho de infância, e saudade. Os Goonies são uma turminha de amigos de uma pequena cidade. Mike é o menino espertinho, idealista, com mania de trocar as palavras. Brand é o irmão mais velho, que no começo parece mandão e meio chato, mas acaba virando criança de novo quando se envolve com a aventura.
Aliás, quem é que é que não se empolga e fica mais animado depois de assistir os Goonies?
No bairro em que todos moram, uns empresários querem demolir todas as casas para construir um campo de golfe. Mas não se os Goonies puderem impedir! Mas, para isso eles precisam de dinheiro para a hipoteca. É então que, no sótão da casa de Mike, descobrem um mapa espanhol do século XVIII. Ele leva ao tesouro de Willy Caolho, escondido em uma caverna protegida por armadilhas armadas pelos piratas. Eba! Eba! Parece uma aventura de livro... ou história pra criança dormir. Pelo comentário, Brand é amarrado na cadeira, enquanto os meninos pegam as bicicletas.

1.: Curtindo A Vida Adoidado(Ferris Bueller´s Day Off, 1986)

"Life moves really fast. If you don´t stop to look around once in a while, you can miss it". Ou, para quem viu a versão dublada na sessão da tarde: "A vida passa muito depressa. Se não paramos para curti-la, ela escapa por nossas mãos". Em "Curtindo a Vida Adoidado", o protagonista Ferris Bueller consegue um dia perfeito: matar aula com a namorada e o melhor amigo para passear pela cidade numa Ferrari e... fazer o quê? "A pergunta não é o que vamos fazer, mas o que não vamos fazer". Eles só fazem coisas legais, de um jeito que causa inveja a qualquer adolescente - e, mais ainda, a quem há tempos já saiu da escola.

Carpe Diem! O filme começa com Ferris Bueller, canastrão, fingindo que está doente para não ir à escola. E o pior é que funciona (para a raiva da irmã, Jeanie Buller). Ferris justifica: "É infantil e estúpido, mas... a escola também é", e começa a pôr seu plano em prática. Mas a cena que ficou pra história é a de Ferris, durante a parada de Chicago, cantando "Twist and Shout" Curtindo a Vida Adoidado é um clássico é por isso fica sendo o TOP 1 ... da minha humilde lista.

Essa foi uma pequena listagem de 10 classicos, mas não podemos esquecer dos que ficaram de fora :

De Volta Para o Futuro

Karate Kid

Jogue A Mamãe do Trem

Porky’s

Caçadores de Emoção

Vôo do Navegador

Garotos Perdidos

Esporte Sangrento

Lambada! A dança Proibida

Nossa tem tantos, poderia ficar a noite toda. Escrevendo diversos Titulos... mas vou terminar por aqui e deixar o resto com vocês se acharam que algum marcou ou ate mesmo a sua Top10 fique avontade.

Cuspido por ...Raphael e informações adicionais IMDB e CinePlay.

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2007-09-11T13:22:00.000-07:00

Apresentando agora um digno exemplar de uma das maiores (se não for a maior) cinematografias do mundo, mas pouco explorada em nosso país. Falo do cinema indiano. Rang De Basanti, em português Pinta-me Da Cor do Açafrão, foi um super sucesso hindu e selecionado pelo país para a disputa do Oscar 2007. Com significativos 8.5/10 (5,130 votes) no IMDB, também foi indicado ao BAFTA 2007 na categoria melhor filme em língua não-inglesa.

"A produção, que por incrível que pareça tem muito a ver com o nosso próprio Brasil, é um filme sobre o despertar da juventude. Sobre defender convicções. Onde o espírito de rebelião transcende tempo e era.

Na história, uma jovem inglesa acha o diário de seu avô que serviu na polícia britânica na Índia, início do século XX. Entusiasmada, planeja fazer um filme sobre os revolucionários mencionados no diário. Em Nova Déli, escolhe o elenco de revolucionários num grupo de cinco amigos, que produtos da Índia moderna, não se identificam de imediato com estes personagens do passado, já que fazem parte de uma geração de indianos que acreditam em consumismo.

Para eles, assuntos como patriotismo e dar a vida por convicções, é matéria para livros. Focalizando muitas das tendências contraditórias que existem na Índia e no mundo de hoje, a narrativa, sempre colorida, vibrante, com muita música, apresenta as histórias dos jovens e mostra o amadurecimento deles, que aprendem na pele a importância do sacrifício pessoal para ajudar a construir uma sociedade ideal. "

Um filme trabalhoso, mas que me deixa orgulhoso em participar da sua divulgação.

Cuspido por ...Raphael e informações IMDB e PostBlogger

Simplesmente Cinema Recomenda

2007-09-08T04:10:00.000-07:00

Into the Wild é um filme, baseado em factos reais, sobre a história de Christopher McCandless. Descrita em 1996 pelo autor Jon Krakauer, o livro tornou-se num best-seller. Sean Penn (Mystic River) ficou muito interessado adaptar esta obra literária para o cinema e conseguiu. Quase sete anos depois de ter começado a trabalhar no projecto, Into The Wild está a chegar às salas de cinema neste ano. Já tendo estreado em Nashville (EUA) no mês passado, as críticas sobre o filme já podem ser lidas na Internet.

Emile Hirsch carrega muito bem a difícil tarefa de ser, na maior parte do tempo, o único ser humano em cena , os elogios são muito positivos, o que não me espanta já que ele tem vindo a mostrar desde O Clube do Imperador e Heróis Imaginários as suas aptidões para o mundo da representação. Ele consegue carregar muito bem a difícil tarefa de ser, na maior parte do tempo, o único ser humano em cena.

Into the Wild conta assim a vida de Christopher McCandless (Emile Hirsch), um jovem recém licenciado da universidade de Emory em 1992. Com 22 anos, Christopher tem um futuro promissor com uma boa carreira profissional mas ele decide aventurar-se numa caminhada solitária. Deixando para trás a sua família e as suas posses monetárias, ele parte para o norte da América, mais precisamente para o Alasca. Durante a viagem ele enfrenta diversos obstáculos que ele tem a necessidade de enfrentar. Nesta jornada McCandless vive como um eremita.

O filme conta com a vencedora do Óscar Marcia Gay Harden (Mystic River), William Hurt (Kiss of the Spider Woman), Hal Holbrook (Pueblo), a nomeada para dois prémios da Academia Catherine Keener (Capote), Kristen Stewart ( No Mundo das Mulheres) e Vince Vaughn (Wedding Crashers)

Mais do que uma história de aventura, este filme é sobre o valor da família, do lar e da busca da felicidade e da verdade. Estas mensagens são acompanhadas com a banda sonora do premiado compositor argentino Gustavo Santaolalla, que ganhou o Óscar em 2006 e 2007 pelos filmes O Segredo de Brokeback Mountain e Babel. O líder dos Pearl Jam, Eddie Vedder, também participa na banda sonora e as músicas já podem ser ouvidas no sítio oficial do filme e no próprio trailer.
Conhece a verdadeira natureza e diversas personagens que o vão ensinar a essência da vida.

Into the Wild tem estreia marcada para o dia 21 deste mês. Nas salas portuguesas o filme pode ser visto a partir de 29 de Novembro.

Simplesmente Cinema: Túnel do Tempo

2007-08-29T10:31:00.000-07:00

NelsonRodrigues dizia que a unanimidade é burra.Contudo, como toda regra tem uma exceção, a desta frase deve –se chamar CURTINDO A VIDA ADOIDADO. Pense num filme bom de se ver. E o melhor: Todos gostam.

Bom era assisti-lo na sessão da tarde com a dublagem clássica, às vezes você nem sabia o que ia passar, o letreiro começava, a música característica subia e você torcia para ser um bom filme. Será que já assisti? Será que vai ser “ A Lagoa Azul “ ou quem sabe não vai ser mais um filme sobre animais que falam ou são esportistas ............ Segundo de expectativas...... Pronto. Era CURTINDO A VIDA ADOIDADO. Perfeito!

Uma coisa que chama a atenção no filme é o senso de justiça contido nele a respeito da “classe nerd”. Porque é inegável afirmar que o descolado, paquerado e idolatrado Ferris Bueller era um nerd de marca maior, comprovado no decorrer do filme. Depois de tantos filmes nos quais são apresentados como bobalhões, sem vida social, sem namorada, quase parias nesse mundo de Deus, eis que John Hughes mostra que nerd pode ser sim, sinônimo de diversão e malícia.

Outra coisa maravilhosa a respeito desse filme são as “confidências” de Bueller para a câmera, fazendo com que o expectador se sinta parte da história e não somente uma figura passiva: em vários momentos ele pára de falar com os amigos e se vira para a câmera, como se nós, do outro lado, fôssemos também um de seus amigos que embarcou na empreitada de ter um dia de folga. Matar aula é um desejo corriqueiro na vida de qualquer estudante e o tom íntimo dessas confissões acaba te aproximando mais do filme. Ferris não é mais um personagem de um filme, mas um amigo legal que resolveu quebrar as regras do jogo da vida e te levou pra dar um passeio numa Ferrari, para logo depois destruí-la jogando-a janela abaixo no barranco. Impagável.

A filosofia Carpe Diem, imortalizada anos depois em Sociedade dos Poetas Mortos, é a cerne do filme inteirinho: Ferris, Cameron e Sloane não têm a menor intenção de mudar o mundo, não querem ser exemplos para ninguém, não pretendem trazer nenhuma espécie de “contribuição” para a Humanidade...Egoístas, talvez? Acho que não. Eles querem apenas se divertir, sem maiores aspirações. Mas ainda assim, sem querer, as lições carpedianas são passadas em frases como “a vida passa muito rápido, se não olharmos em volta e observarmos, poderemos perdê-la” ou “porque eu iria ficar trancado na escola num dia lindo desses?”

O Filme é recheado de cenas clássicas, mas talvez uma que todos devem lembrar é mesmo a do “Twist and Shout” cantado em meio a um desfile. O interessante é que a cena foi rodada em meio a uma parada de verdade, que acontece anualmente nas ruas de Chicago: o Von Steuben Day Parade, Por isso muitas reações, como a dos operários dançando sobre as construções, foram espontâneas.

Voltando à cena da parada em Chicago, quando Ferris dubla Twist and Shout, vemos uma aula de carpe diem na prática: Ele não se importa com o que os outros vão pensar dele quando resolve subir naquele carro alegórico; ele não se importa em cantar a música e se sentir John Lennon por alguns minutos; ele não se importa de dançar alucinadamente pra qualquer um assistir.

Para terminar uso uma frase do Mr. Ferris, falando para as câmeras: “ Não apoio o facismo ou qualquer outro ismo. Na minha opinião os ismos não prestam. Não se deve acreditar neles, e sim em nós mesmos. John Lennon disse: Não acredito nos Beatles, mas em mim”

Cuspido por ...Raphael e informações adicionais IMDB.

Brasileirinho

2007-08-23T14:50:00.000-07:00

Depois de Moro no Brasil, o finlandês e "quase brasileiro", Mika Kaurismäki apresenta em Brasileirinho mais um documentário sobre a música do nosso país.

Desta vez, porém, foca suas lentes no choro, o dificílimo gênero musical, considerado o primeiro genuinamente popular/urbano típico do Brasil, que ele havia deixado de lado em seu filme anterior, mais centrado no samba. Aliás, foi justamente essa ausência que motivou a execução do documentário. Durante uma exibição de Moro no Brasil na Suiça, Kaurismäki foi confrontado por Marco Forster, fã do gênero, que questionou a exclusão do choro. Esperto, o finlandês escorregou - disse que o ritmo é tão importante que merecia um filme próprio. E Forster ofereceu-se para produzi-lo, o que acabou dando certo.

Diferente do que fez Wim Wenders em Buena Vista Social Club, por exemplo, filme que apressados teimam em comparar a Brasileirinho, Kaurismäki não está interessado nos exoticismos brasileiros. Seu filme é sobre a música, não sobre os músicos. Não há aprofundamentos de personagem - não sabemos como vivem os que ali são retratados - mas sabemos como, e onde, tocam.

A opção é louvável, pois tira do filme a aura "for export" que fatalmente ele teria se esmiuçasse as vidas do retratados - os "brasileiros sofredores". O que se vê em Brasileirinho são apaixonados pela música e pelo estilo de vida do choro. Por outro lado, um pouco de atenção ao entorno não faria mal. Ok, o cineasta usa as belas paisagens do Rio de Janeiro como cenários para entrevistas e rodas de choro, mas faltou mostrar um pouco dos bares, das agremiações onde a música ganhou força - e segue firme. Também faltou um pouca da cultura do gênero - especialmente a da bebida, que aparece em praticamente todos os quadros, sempre nos cantinhos, ou como influência nos olhos vidrados de um dos músicos, mas jamais é abordada diretamente.

Há uma certa resistência da crítica também pela categorização como documentário, já que a grande maioria das cenas é nitidamente pré-combinada, planejada. Mas devo concordar com o próprio diretor, que explica que, sim, as rodas de choro foram montadas para o filme, o grande show ao final idem, mas que todos os depoimentos são espontâneos e não-roteirizados. Novamente, o interesse é exclusivamente a música, que permite grupos de 20, 30 pessoas tocando e improvisando juntas, e sua virtuosa execução. E nesse aspecto, o filme é impecável.

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Pode ser que eu esteja errado por ele ser um documentário nacional, não devo esperar muito ... mas sabe quando você se depara com algo e fica bastante curioso! Pronto e como eu me sinto em relação a esse documentário. Pode ter sido o tema ... ou a matéria ... não sei ... só sei que fui atrás de outras noticias sobre o próprio e me deparei com uma entrevista do diretor, se também tiver curioso basta clicar aqui, se não tudo bem.

Cuspido por ...Raphael e informações Omelete e entrevista Cineminha

Simplesmente Cinema Recomenda

2007-08-22T04:09:00.001-07:00

Zodiac

Fiquei muito impressionado com Zodiac, o novo thriller de David Fincher. Em uma coletiva, Fincher disse que, depois de Seven - Os Sete Crimes Capitais, havia pedido a seu agente que não lhe encaminhasse nenhum roteiro sobre serial killers. Não queria ficar rotulado, mas o cara insistiu que ele lesse o de Zodiac, sobre o assassino em série que aterrizou San Francisco por volta de 1970 (e inspirou o primeiro Dirty Harry, de Don Siegel, com Clint Eastwood - chamou-se, no Brasil, Perseguidor Implacável).

O roteirista James Vanderbilt disse que se interessou pelos livros de Robert Graysmith - Zodiac e Zodiac Unmasked - porque mostram a caçada de um serial killer por um cartunista. Com base no material que ele escreveu, David Fincher fez um filme muito complexo. Num certo sentido, é o anti-Seven. E é um filme inconclusivo, porque o caso nunca foi resolvido e o suspeito que Fincher e Vanderbilt apresentam não pôde nem ser indiciado (vejam o filme para saber por que). O mais fascinante, para mim, pelo menos, foi o estilo semidocumentário, distante de suas experimentações formais nos filmes anteriores, que Fincher parece (eu acho) ter absorvido de O Homem Quer Odiava as Mulheres, outro filme de serial killer, de Richard Fleischer, do fim dos anos 60, sobre o estrangulador de Boston. O que mais me tocou, e provocou mal-estar, foram ver todos aqueles caras (policiais e jornalistas) destruindo suas vidas, de tão obcecados que ficaram com o assassino do Zodíaco. Não sei o porque mas assistindo Zodíaco me lembrei diversas vezes de Memórias de um Assassino, de Joon-ho Bong, claro que Memórias é mais político,mas Zodíaco ficou bem melhor.

Contido, Fincher se solta mais com notícias de jornais e letrinhas espalhadas pela tela e pelo cenário. Uma tomada da ponte de São Francisco resgata seu olhar forte, mas o que marca e vinga são seqüências de extremo apreço na montagem e na fotografia. Cena localizada num porão defende bem essa noção que Fincher tem do incômodo humano.

Outra coisa boa de notar é o interesse de Fincher pelo próprio Cinema, e de como este pode moldar outros e a si mesmo. “Zodíaco”, o assassino, usa uma daquelas marcas da clássica contagem regressiva dos rolos de filme como uma espécie de assinatura (“Lembra a mira de uma arma”, observa Downey Jr. à primeira vista), e mais tarde seremos informados do filme que o inspirou e também sua antiga profissão, relacionada não ao Cinema, mas ao cinema.

Há uma grande mistura aqui, embora pendendo para a simplicidade. É desses que merece ser revisto.

Cuspido por ... Raphael e informações adicionais Imdb

Simplesmente Cinema Recomenda

2007-08-16T05:08:00.001-07:00

Anlat Istanbul

"Cinco diretores diferentes, cinco histórias que se cruzam. Através delas podemos encontrar a pulsação de uma cidade, com seus dramas, suas passagens engraçadas, finais felizes ou tristes. Caóticas como a vida. CONTOS DE ISTAMBUL retrata a respiração genuína de uma cidade, a honestidade e a poesia, a consciência da magia do cinema, fomentada num engenhoso trabalho de edição, uma fotografia crua mas maravilhosa e um grande trabalho do elenco inteiro.

Ao contrário de muitos filmes sobre cidades – este aqui não só oferece um catálogo de vidas reais. Os contos do título são de alguma maneira contos de fadas verdadeiros (há até as “fadas madrinhas”), acontecidos no dia-a-dia de pessoas comuns, que poderiam ser nossos vizinhos. São versões e referências contemporâneas de “A Bela Adormecida”, “Cinderela”, “Branca de Neve”, “Chapeuzinho Vermelho”, “O Flautista Mágico”, contadas com integridade surpreendente, interconectadas matematicamente. Para servir de referência, a edição do filme tem algo de “Pulp Fiction” ou “21 Gramas”.
Altamente Recomendado.

"Não é quem eu sou por dentro e sim o que eu faço é que me define." Batman Begins

Brasília 18%

2007-08-07T10:30:00.001-07:00

Brasília 18%, Brasil, 2006

Direção: Nelson Pereira dos Santos

Gênero: Drama

Duração: 102 minutos

Elenco: Carlos Alberto Riccelli, Malu Mader, Othon Bastos, Carlos Vereza e Otávio Augusto

Eu sou daqueles que para gostar de um filme brasileiro ele tem que ser 100% . Admito que o cinema brasileiro vem numa crescente, percebemos isso pela a quantidade de filmes estreando recentemente.

Apesar de tudo como relacionei em percentagem o cinema brasileiro, Brasília 18% deve chegar em seus 18%, mais deve ser elogiado, pois o filme faz parte de um estilo que deveria existir mais no Brasil. Ao invés de focar as lentes nos menos favorecidos, Nelson Pereira, cinquenta anos depois de abrir os olhos do Brasil para a realidade das favelas, parece fazer o oposto. Num país que tem como cinema político sinônimo de “filmes canhestros sobre a ditadura”, o tempo é o presente, aqui e agora. Brasília, terra da corrupção, de crimes que passam batidos, de políticos que fazem tudo por dinheiro e poder, de um povo que não é visto e nem se faz conhecido pelos seus representantes.

O filme aborda gênero difícil de se fazer no Brasil, arriscado para alguns (como digamos tratar de políticos, sem dar nomes aos bois) e que é tão banal no cinema americano e europeu, mas permanece um tabu. Falhas técnicas de lado (como o fundo azul no avião), simples cretinices (a menina pedindo a Bíblia; juro que achei que haveria ali uma mega situação explicando, mas nada...) Porque fazer filmes visualmente bonitos, com uma belíssima fotografia em tons escuro é a prova que o cinema brasileiro está crescendo, mais no geral o filme pode se abreviar em 1 palavra ... CHATO ... mais ao podemos crucificar porque isso é simplesmente, cinema nacional.

Cuspido por Balabushka

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